La Japanimation à la télévision

Pour les séries télévisées seule une très grande industrialisation de la production et une réduction drastique des coûts permettent aux grands studios de remplir des tonnes de pellicules alors que le prix d’achat n’a pas changé depuis longtemps. La solution la plus simple qu’ils ont trouvé pour produire c’est la délocalisation. Si les chefs animateurs restent japonais, les coloristes et les intervallistes sont Coréens, Taiwanais ou Chinois.
Les japonais conçoivent également en sous-traitance des séries venues des Etats Unis et d’Europe .
Osamu TEZUKA a réalisé 12 séries télévisées entre 1962 et 1972 en s’inspirant des dessins animés d’Hanna-Barbera qui sont passés au Japon en 1959. C’est lui qui est à l’origine du concept d’animation limitée. Le principe d’ “ animation limitée ” consiste à réaliser le moins de dessin possible pour une minute de film. Plus il y a de dessins, plus le mouvement restitué sera fluide. Un dessin animé Disney se fait avec une moyenne de 12 à 15 dessins par secondes. Osamu TEZUKA a réussi à faire descendre la barre à 5 images par secondes. Il réduit ainsi le coût de production. La moyenne est abaissée grâce au remploi de dessins qui servent plusieurs fois. Malheureusement le mouvement devient saccadé.
L’animation nippone a longtemps été mal considérée en France et en Europe pas seulement en raison de la raideur des personnages mais aussi des scénarios. Ceci n’est pas imputable aux Japonais mais plutôt aux programmateurs de nos chaînes qui ne choisissent pas toujours bien dans la diversité des thèmes proposés.

Les japonais savent traiter tout type de sujet :

-Adaptation littéraire (Nils Holgersson et les Oies Sauvages [Nils no fushigina tabi ; Hisayuki TORIUMI ; 1980], Tom Sawyer [Tom Sawyer No Bôken ; Hiroshi SAITÔ ; 1980-1982], Princesse Sarah [Shôkôjô Sara ; Hiroshi SAITÔ ; 1985])
-Policier (Signé Cat’s Eyes [Cat’s Eye, Tsukasa HOJÔ, 1980], Les Aventures de Sherlock Holmes [Meitantei Holmes, Hayao MIYAZAKI, 1982], Nicky Larson [City Hunter, Tsukasa HOJÔ, 1985-1990])
-Comédie (Le Collège fou fou fou [High School Kinengumi, Motoei SHINZAWA, 1985), Ranma ½ [Ranma Nibunoichi ½, Rumiko TAKAHASHI, 1989])
-Cape et épée (Lady Oscar [Versailles No Bara, Riyoko IKEDA, 1972])
-Action (Dragon Ball [Akira TORIYAMA, 1984-1995], Les Chevaliers du Zodiaque [Saint Seiya, Masami KURUMADA, 1986-1991])
-Science-fiction (Goldorak [Ufo Robot Grendizer, Gô NAGAI, 1976], Le Capitaine Albator [Uchu Kaïzoku Captain Harlock, Leiji MATSUMOTO, 1977], Ghost in the Shell [Mamoru OSHII, 1995])

Si les sujets sont éclectiques, les styles le sont moins. Le dessin est souvent figé. Ce type d’animation rudimentaire se traduit par des conventions au comique involontaire. Dans un anime sportif comme Olive et Tom (Captain Tsubasa, Yôichi TAKAHASHI, 1980), on nous montre une foule de supporters vociférant qui conservent tous la même expression figée, bouche ouverte. Le héros qui se trouve au milieu de cette foule est le seul dont le mouvement des lèvres est brièvement restitué.
Certains animateurs utilisent cette fixité à des fins purement artistiques. Ils ont recours au gros plan pour que le personnage qui regarde le spectateur rende la dramaturgie de la scène. L’image arrêtée (qui dure plusieurs secondes) sur des yeux exorbités montre la détermination du héros. Cette scène typique de l’animation nippone ne doit-elle pas à la tradition du théâtre Kabuki ?
Pour un acteur de Kabuki l’intensité de l’expression est à son comble lorsque celui-ci se fige face au public, tout en faisant une grimace. L’acteur du Kabuki louche pour souligner les sentiments qu’il éprouve . [cite une source pour le théâtre Kabuki]
L’immobilité des personnages est palliée par les mouvements des caméras qui se déplacent à l’intérieur du dessin, cadrant successivement des zones différentes pour donner l’impression que “ cela bouge ” à l’écran.